¡Hola, clase!

Os dejo por aquí el podcast que he realizado para este módulo. Me ha gustado mucho hacerlo y espero que lo disfrutéis:

¡Hola clase!

Como ya es habitual, abro esta entrada dejando un PDF con los esquemas y las anotaciones que he extraído. Más abajo dejaré los ejercicios propuestos para este apartado.

20 PALABRAS

A continuación, dejo la selección y ordenación de las 20 palabras seleccionadas. Aclarar que, para ordenarlas, he intentado que haya el máximo contraste posible a través de cambios de ritmo interno, de vocales dominantes o de densidad de consonantes. Aunque en principio las pongo por escrito, me parecía interesante también grabar un audio con ellas:

1. EFÍMERO
2. SUBYUGACIÓN
3. IRIDISCENCIA
4. FRUGALIDAD
5. SOLEMNIDAD
6. METANOIA
7. ABSTRACCIÓN
8. RESILIENCIA
9. OBSOLESCENCIA
10. EXCEPCIÓN
11. INCIPIENTE
12. CLARIVIDENCIA
13. PERSPICACIA
14. RETROSPECTIVA
15. INEFABILIDAD
16. INTROSPECCIÓN
17. ESPECIFICIDAD
18. EFEMÉRIDE
19. TENACIDAD
20. CALEIDOSCOPIO

10 SÍLABAS

Las 10 sílabas que he escogido son: dra glu ble na li mo qui de ca so; con ellas, he formado las siguientes 20 palabras. Al igual que en el ejercicio anterior, dejo la lista escrita y, más abajo, un audio dándoles la entonación que me sugieren:

1. DRASOLI
2. NAMODRE
3. LINADE
4. NADRECA
5. BLENAMO
6. CAMOSO
7. QUIDECA
8. CAMODRE
9. MODRECA
10. QUIMOSO
11. SODRALI
12. DRALISOMO
13. SOMOBLE
14. BLEQUIMO
15. LINACASO
16. CADRAMO
17. QUIDRACA
18. GLULIQUI
19. BLEDRACA
20. GLUNATI

10 FONEMAS

Los 10 fonemas escogidos son /a/ /o/ /e/ /s/ /ch/ /n/ /k/ /d/ /l/ /r/. A continuación dejo la grabación con la lectura de cada fonema cambiando su intensidad, entonación y duración. Después, he querido cambiar la organización y hacer otra grabación con los fonemas:

1 PALABRA INVENTADA

La palabra que he ideado es XANDORA. A continuación dejo la grabación con diferentes entonaciones:

1 DISCUSIÓN

He de decir que este ejercicio me ha encantado. He cogido las 20 palabras que usé en el primer ejercicio y armado un rápido guion (que no tiene mucho sentido ni lógica) pero con el que se notasen los cambios de entonación. Recomiendo muchísimo hacer este ejercicio, es realmente divertido.

¡Hola, clase!

Este módulo 7 me ha parecido más denso que los anteriores, ha sido igualmente interesante pero, a decir verdad, mientras escuchaba los diferentes ejemplos del PDF había algunos que podía diferenciar claramente y otros que no; achaco esto a que, en realidad, soy profana en la materia y que, por supuesto, aún no tengo el oído lo suficientemente entrenado.

En primer lugar, dejo por aquí el PDF de mi Diario con esquemas e ideas principales del módulo:

Por otro lado, en el enunciado para esta práctica, se nos proponen dos ejercicios por separado. El primero de ellos era la creación de un remix, mashup o plunderphonics cogiendo como base diferentes audios preexistentes. Me he decantado por el marco del plunderphonics al tratar de manipular y yuxtaponer materiales sonoros preexistentes (a excepción de un patrón de Typedrummer) con el objetivo de resignificar y construir una narrativa crítica. Como base de la pieza, he utilizado un fragmento de la Lacrimosa, de Mozart, una pieza que, personalmente, siempre me “ha puesto los pelos de punta” y que, si hacemos una lectura de su letra, podríamos asociarla a algo trágico o sagrado. En ciertos momentos, acompasaba este fragmento con patrones generados por typedrummer que, a mi percepción, podrían dar una sensación de aceleración o frenesí (una especie de latidos mecánicos). Además, he alterado la altura del sonido principal para introducir sonidos de glitches, explosiones y bombardeos aéreos (procedentes de bases de audio libres de derechos) que cortan esa continuidad musical para generar una especie de sensación de colapso, rompiendo la armonía musical y, a su vez, generando una metáfora sobre la interrupción de la propia vida. De algún modo, he pretendido explorar cómo la solemnidad de lo clásico se puede erosionar por “ruidos” del presente y cómo esa fricción, superposición y contraste se puede reinterpretar como lenguaje artístico.

El segundo de los ejercicios trataba de escuchar una selección de Edu Comelles del programa Vía Límite de José Manuel Costa. Realmente, la lista que se nos proponía era muy larga y, la verdad, aún no he escuchado todos pero, desde un primer momento, me llamó la atención el de Alvin Lucier y, por ello, quiero dedicar este apartado de reflexiones a ese mismo. En primer lugar, me llamó la atención porque ya hemos podido analizar y escuchar la obra de este artista dentro de esta misma asignatura. Personalmente, I am Sitting in a Room me pareció una obra fantástica que captó toda mi atención desde un inicio; me pareció un proceso que, puede ser replicable (es decir, que no depende de grandes recursos) pero que contiene un mensaje poderoso. En la misma línea, me llamó la atención 4 Rooms, de Kirkegaard que, aunque sea de otro autor, pienso que tienen una gran conexión narrativa y crítica.

Dicho esto, queda claro que siento especial atracción por la obra de Lucier por la particular forma de relacionar espacio y sonido, un camino que lo aleja completamente de un convencionalismo o academicismo musical. Escuchar el episodio propuesto, para mí, ha supuesto ampliar y reafirmar algo que ya intuía con el primer contacto que tuve con su obra (I am Sitting in a Room). No creo que su arte busque impresionar o entretener sino, más bien, revelar y hacer que el sonido mismo se convierta en fenómeno físico y perceptivo más que tratar tan sólo lo musical o melódico de una pieza en sentido estricto.

Con este episodio se puede escuchar precisamente esa obra (no su totalidad, pero sí parte) y, escuchándola de nuevo, con un mayor conocimiento que tengo del arte sonoro actualmente, empiezo a generar nuevas preguntas: ¿Dónde situamos la línea entre el contenido y el contenedor? ¿Dónde está la frontera entre el mensaje verbal y su propia resonancia? Y es que, recordemos, llega un punto que ese significado literal, simplemente, desaparece; lo único que nos queda de él es un rastro vibratorio, una huella sonora de una voz que poco a poco se ha ido disolviendo en el espacio que la contenía. En mi opinión, este proceso contiene un atractivo punto metafísico, no sólo se trata de un experimento acústico sino que también nos deja una reflexión sobre el paso del tiempo. Asimismo, esa propia distorsión me recuerda a la fragilidad de la identidad y la transformación del lenguaje; en este sentido, ¿alguien puede decir que es la misma persona que hace un año? ¿la misma que hace 10 años? ¿la misma que cuando nació? Una de las interpretaciones que saco (de las muchas lecturas que creo que se pueden hacer) es, precisamente, esa alteración que podemos aplicar a cualquier proceso vital, desde el más ínfimo y particular hasta el más generalizado. La obra ya no es una pieza sonora, sino una experiencia fenomenológica; no es cuestión de que el oyente escuche un mensaje, sino de que escuche al espacio escucharse a sí mismo.

Como artista, plantearme e incluir la relación entre cuerpo y espacio es una constante en diversas disciplinas; en este taller en particular, la tercera variable es el sonido. A diferencia de la música (que no digo que sea mejor ni peor, simplemente, diferente) que busca dirigir una emoción, narrar una historia o entretener melódicamente, Lucier se alinea con una escucha profunda, abierta y que llama al autoconocimiento y a la reflexión. En unos tiempos tan sobresaturados de estímulos, tanto de imágenes como de sonidos, como es la época que vivimos actualmente, la propuesta de este artista me resulta casi espiritual, un retorno al silencio, a la escucha activa y a la atención del momento de forma consciente.

¡Hola, clase!

Me gustaría arrancar este nuevo reto, en concreto, este módulo 6, con algunas aclaraciones. Durante la primera actividad usé este espacio de Ágora como un Diario de Bitácoras Multimedia; dependiendo de cada actividad, he subido vídeos, audios o simplemente texto y conclusiones. Sin embargo, hay una parte escrita del Diario de Artista en la que recojo aún más material con aquellas definiciones, esquemas y conclusiones a las que podemos llegar gracias a la parte teórica. Esta parte escrita la adjunté al proyecto final e hizo que éste quedase muy largo; por ello, he decidido cambiar esta metodología. Ahora me gustaría que estas entradas arrancasen con un PDF de esa parte escrita y, posteriormente, los diferentes experimentos que se vayan haciendo.

En concreto, en este módulo, ha habido ejercicios (los pertenecientes al punto 1.2. Ejercicios de Escucha) que no han sido grabados pero que sí se han anotado las conclusiones y la experiencia en general en este diario escrito, por lo que queda reflejado en este PDF que dejo a continuación. Más abajo, dejo los experimentos y capturas de los ejercicios de ritmo, melodía, armonía…

RITMO:

Se nos aconsejaba seleccionar un fragmento de paisaje sonoro; en mi caso, he escogido uno que grabé para la PEC anterior al lado de una carretera en un momento del día con bastante tráfico. Una vez importado el audio, seleccioné un fragmento (de 00:30 a 00:45), lo copié y pegué en una nueva pista. De esta nueva pista, seleccioné dos segundos que puse en bucle; dejo a continuación una par de capturas del programa junto con el audio de 2 segundos generado.

Por último, seleccioné algunos fragmentos aún más pequeños y los puse en otras dos pistas. Los moví y coloqué hasta que quedó una estructura más o menos coherente.

MELODÍA:

En este caso, he escogido algunos audios que cree para la PEC anterior, seleccionando (de una manera un poco intuitiva) las partes que me atraían para la melodía que tenía en mente. Seleccioné 4: la lluvia, las tuercas dentro de un globo, uno de los sonidos de síntesis creado en Ableton y el patrón que hice en Typedrummer.

En este caso, me gustaría aclarar que el audio (o las partes) del patrón de Typedrummer, me sirvieron para crear el ritmo pero, tal y como nos dice Carlos Suárez, la melodía va más allá al cambiar la altura o timbre. Para dejarlo aquí reflejado de una manera más clara quedo, a continuación, dos capturas de pantalla del proceso de trabajo con Audacity y dos sonidos, en uno está ese patrón rítmico de base y, en el otro, lo he silenciado para que se puedan percibir otros sonidos utilizados o variaciones en las alturas de los mismos.

ARMONÍA: 

Como se nos insta a seguir trabajando con el paisaje sonoro, pensé que podría ser interesante coger 4 de los paisajes sonoros que grabé para la PEC anterior, esta vez, en movimiento. Estos paisajes son: parque, agua, piedras y coches. La intención era que, a través de la creación de pistas verticales, se fueran solapando sonidos para que pareciera una única ruta la que había hecho cuando en realidad estos paisajes fueron grabados en diferentes horas de día y diversos días.

CONTRAPUNTO: 

En este caso, para hacer mi propio experimento, me he orientado utilizando el zip expuesto en el enunciado de este módulo. He escogido uno de los audios creados en Síntesis de Sonido, en la PEC anterior; en concreto, uno realizado con Typedrummer, utilizando la frase de una canción. El fragmento inicial era de 11,5 segundos y he ido incluyendo el mismo fragmento cada 8.

ORQUESTACIÓN, INSTRUMENTACIÓN O MEZCLA:

En este punto, en lugar de crear otra pieza nueva, he decidido analizar las anteriores, creadas para esta entrega y es que, de alguna manera, creo que estos ejercicios ya han implicado estos conceptos, aunque no fuera de una forma consciente al principio.

Durante las ediciones, he tenido que tomar decisiones sobre qué sonidos utilizar, cómo combinarlos, dónde colocarlos y cómo hacerlos convivir dentro de una misma pieza para que transmitiera aquello que tenía en mente; esto es, en esencia, una forma de orquestación sólo que aplicada a un terreno más experimental y cotidiano.

El instrumento, así, no lo tomo como un objeto específico con una afinación preestablecida, sino que puede ser cualquier fuente sonora que tenga una tímbrica que se pueda identificar y manipular a placer. Así, pienso que he orquestado (consciente o inconscientemente) pequeñas composiciones usando materiales diversos, desde objetos cotidianos a paisajes sonoros. Con ello, concluyo que esta mezcla no es una fase final, separada o que se pueda aislar fácilmente de otras, sino que está en las diversas decisiones integradas en el proceso desde en primer momento hasta el último dentro de la creación sonora.

Hasta aquí este trabajo con el Módulo 6. La verdad, estoy disfrutando bastante esta parte; será que, de por sí, me gusta muchísimo «jugar» con los programas de edición (ya me pasó con Premiere y otros editores de vídeo). ¡Un saludo!

¡Hola, clase!

Dejo por aquí el dossier final de esta actividad. La verdad, a mí me ha gustado mucho y creo que hemos podido explorar de todo. El PDF parece muy largo, pero realmente sólo llega hasta la página 14; las otras son de capturas del Diario que he ido generando durante el proceso. Lo he querido hacer así porque me parecía que mostraba una imagen más realista del proceso.

Más abajo del PDF os dejo los audios que he seleccionado para esta actividad (en el orden que están en el dossier).

¡Hola, clase!

Para este último módulo de esta primera actividad, he decidido explorar algunas de las herramientas recomendadas. En concreto, del primer enlace y a través de la manipulación de valores y parámetros, he creado los siguientes archivos:

En segundo lugar, he querido probar «Typedrummer», pero en lugar de utilizar sólo una palabra, he usado frases completas. Se me ha ocurrido usar citas célebres (los dos primeros audios), la primera frase de una canción que estaba escuchando en ese momento de indecisión («A.I.», de Ghostemane) y letras repetidas con el fin de formar un patrón:

CITA 1: Eso era todo lo que un hombre necesitaba: esperanza. Era la falta de esperanza lo que lo hundía. (C. Bukowski):

CITA 2: Cuando mi voz calle con la muerte, mi corazón te seguirá hablando. (R. Tagore):

FRASE CANCIÓN: When you die, ain’t nobody gonna remember you (A.I., de Ghostemane):

PATRÓN: DAQ QAD DAQ QAD DAQ QAD IDAQ IQAD IDAQ IDAQ

Por último, también he decidido probar la web de «Playtronica», de sintetizadores en línea y aplicaciones de piano web; en concreto, he probado el «Piano Digital». En este caso, dejo dos vídeos en lugar de audios para que se puedan ver las figuras que se forman:

Hasta aquí esta entrega, la verdad es que me ha parecido muy curiosa y divertida, desconocía la cantidad de herramientas que tenemos al alcance de la mano y que pueden ser tan útiles. Espero que os guste, ¡un saludo!

¡Hola, clase!

Para este módulo, tal y como se sugería en el enunciado, he comenzado a crear un archivo de sonidos que os voy a mostrar a continuación. Para hacer más clara esta presentación y tener un mayor orden en mi propio archivo, no sólo he llevado una nomenclatura específica, sino que también he querido acompañar los audios con fotografías del lugar.

Primero, quiero mostrar los sonidos captados en un parque. En este caso, podemos escuchar sonidos propios de la naturaleza como es el trinar de los pájaros; además, escuchamos a la lejanía coches y ruidos producidos por los niños en un colegio cercano (precisamente escogí la hora del recreo para que se pudiera reflejar toda esta riqueza de sonidos en un mismo entorno). Expongo dos grabaciones; en la primera estoy totalmente estática y, en la segunda, voy paseando por dicho parque con el fin de mostrar cómo mi propio movimiento puede influir en esta captación del paisaje sonoro:

En segundo lugar, quería mostrar el sonido del agua de una fuente. En este caso, podemos apreciar otros sonidos, por ejemplo, personas que estaban pasando por allí. Sin embargo, el sonido del agua deviene protagonista. Yo lo aprecio como un sonido continuo y relajante.

La verdad es que me llama la atención (y me gusta mucho) el sonido del agua (en general). Me fui a otro espacio natural dentro del entorno urbano y decidí hacer otra grabación del sonido del agua porque, en mi opinión, hay una gran diferencia con el anterior. En el anterior era algo tranquilo, relajante; sin embargo, en este caso, el agua cae con mucha más violencia, provocando un sonido más estridente. Como hice en el primer experimento, adjunto dos grabaciones: en la primera me mantengo estática y el sonido predominante es el del agua; en la segunda, estoy en movimiento, añadiendo una segunda línea de sonidos perceptibles en primer plano derivados de mis propias pisadas que rompían ramas y hojas secas a su paso:

Para meterme más en los sonidos propios de la ciudad, decidí irme debajo de un puente en el cual pasan coches a menudo. Personalmente, el hecho de estar en ese lugar semicerrado «ahueca» el sonido y se puede apreciar claramente el rebote del mismo. En este caso, me llama la atención especialmente el sonido de los coches al pasar, como un «pu-pum» (es difícil describir, permitidme la onomatopeya) propio del paso de algo pesado sobre dos placas (no se por qué se ve como si fuera un vídeo, realmente es sólo audio):

Por esta misma zona, hay partes del camino formadas solo por piedras, así que me pareció interesante también grabarme andando por estas áreas específicas:

Por último, me trasladé a un lugar bastante concurrido de tráfico para captar los sonidos de los coches, era justo al lado de una gasolinera que, además, hace de intersección entre dos calles principales de mi propio barrio. En este caso, como en el primero, he grabado dos audios, en el primero estoy parada y en el segundo en movimiento. Sin embargo, no noto en este experimento muchas diferencias entre ambas grabaciones, pues creo que mis pisadas y movimientos se ven opacados por los ruidos tan estridentes y característicos del tráfico:

Hasta aquí mis experimentos con el paisaje sonoro. La verdad es que me ha parecido muy interesante esta práctica; es sorprendente todos los sonidos que se pueden apreciar en una misma zona si uno se para y tiene una escucha activa y concentrada. Espero que os haya gustado, ¡un saludo!

¡Hola, clase! Para este módulo he realizado una serie de experimentos, la gran mayoría se proponen en el vídeo de Martí Ruids i Carulla, al igual que en los apuntes, pero a mí las cosas se me «almacenan» mejor cuando las hago yo.

Tengo en cuenta que, de cara a la entrega final, no voy a entregar formatos de vídeo sino de audio. Sin embargo, como estas son primeras tomas de contacto y con el fin de que veáis los materiales que he utilizado, he decidido subirlo en vídeo mejor e ir haciendo el análisis de Baschet mientras experimentaba (y también porque, dicho sea de paso, hay que irse quitando la vergüenza). Espero que os gusten:

¡Hola, clase!

Tras la lectura y el visionado de los recursos recomendados, me he lanzado a realizar un par de experimentos y quiero mostrarlos.

En primer lugar, he querido hacer una prueba con la materialidad. He clavado dos alcayatas a dos tablones para tensar una cuerda y ver cómo se comporta el sonido; en particular, he querido usar una cuerda plástica en uno y otra metálica en otro. Mi intención, originalmente, era comprar cuerda de guitarra para ello, pero sólo he podido hacer esta prueba en fin de semana y la tienda estaba cerrada. Lo he sustituido por un alambre galvanizado; sé que no es lo mejor, sobre todo porque no se puede apreciar bien los sonidos armónicos, pero si sólo tomamos el fundamental de ambos, sí se puede notar la diferencia de material, que era el objetivo principal (la verdad es que la división de la cuerda ya la explica muy bien Martí). A continuación os dejo el vídeo:

Por otro lado, he querido experimentar con mi voz. Me ha parecido interesante hacer una comparativa de mi voz con la de mi pareja viendo el espectro de la onda en la app que se nos recomienda descargar. Lo que hemos hecho ha sido una escala U-O-A-E-I, intentando dar una nota más grave en la U y más aguda en la I (haciéndolo de manera progresiva). Aprecio diferencias entre ambas capturas de la app, pero creo que aún me falta para entenderlas en su totalidad. A continuación, os dejo las dos imágenes, la primera es la de mi pareja y la segunda la mía:

Por último, me hizo gracia el hecho de que se comparase la boca con una caja de resonancia; os tengo que poner un poco en contexto. Mi pareja es Beatboxer y siempre me hacía esa comparativa para explicarme cómo se producen los sonidos en esa disciplina. Como siempre me ha parecido muy curioso, he querido experimentar con ello con la app. Así que os dejo a continuación la captura de pantalla y debajo el sonido que realizó para esa misma captura:

La verdad me está gustando mucho hacer estas pruebas, espero que os entretenga o que os parezca curiosa también esta entrada.

¡Un saludo!

¡Hola, clase!

Tras la revisión del módulo 1 y los podcasts, me gustaría dedicar esta entrada a señalar una serie de ideas clave en cuanto al arte sonoro. En primer lugar, podríamos hablar de que se trata de una práctica expandida que desafía las fronteras tradicionales de la música, algo que me recuerda (probablemente por mi contacto con la disciplina) al dibujo expandido.

El texto gira en torno (con el propósito de ejemplificar lo explicado) a J. Cage, M. Neuhaus, R. Murray Schafer y S. Kim-Cohen. Estos artistas, aunque no coinciden por completo en su pensamiento, ponen de manifiesto que la diferencia que existe entre música y sonido reside en el modo en que son escuchados e interpretados. De este modo, es la propia acción de escuchar la que determina la naturaleza artística de una pieza.

Me ha llamado especial atención la obra/instalación de Times Square (1977), de Neuhaus, sobre todo por mezclar el espacio (una zona bulliciosa y concurrida del mundo), el parecido del sonido a un zumbido y el hecho de esconder la propia instalación. Se deduce, gracias a este ejemplo entre otros, la importante relación que existe entre el sonido y el espacio. Con instalaciones como Times Square, vemos la delimitación física existente para este tipo de arte en galerías y museos (diseñados para un arte visual) y cómo el arte sonoro se puede escapar de esos formatos de exposición tradicionales. El espacio puede transformar la obra hasta dar un giro de 180º; un ejemplo de ello puede ser I Am Sitting in a Room (1969), de A. Lucier.

En cuanto a los podcasts de Genealogías Sonoras, creo que se puede ampliar toda esta información a través de estudios y ejemplos prácticos de artistas que han explorado estas formas de escucha. Por ejemplo, en el caso de Roland Ryan, explora la música electrónica y la composición algorítmica; con ello, creó música cibernética utilizando sistemas electrónicos que generan composiciones autónomas. También podríamos hablar de Pauline Oliveros y su concepto de “Deep Listening” (término que me ha llamado la atención), una escucha profunda y consciente, más tratada como una filosofía de la atención plena e interacción con el entorno sonoro.

Otros artistas que podemos mencionar son Eliane Radigue y Mika Vainio. En el caso de Radigue, el análisis habla de transiciones graduales y tiempos expandidos que van esculpiendo el sonido; esa experimentación cambia a raíz de una conversión religiosa, teniendo un enfoque más introspectivo y contemplativo. En el caso de Vainio, por otro lado, experimentó con la textura sonora industrial y el uso del ruido, generando sonidos con una intensidad particular a través de un empleo mínimo de los elementos.

En resumen, a través de este material podemos reflexionar acerca de, por un lado, los límites de la música y el arte en general y, por otro, de las relaciones que existen entre el espacio, el cuerpo y la percepción. Además, también se desdibujan las fronteras entre creador y receptor, fenómeno que veo lógico dado el contexto de los artistas mencionados, un momento histórico en el que cada vez más se experimentaba con el cambio de roles y la co-creación a través del happening o el fluxus; es posible que, en el caso del arte sonoro, esta disolución de papeles aún se haga más evidente dada la propia naturaleza del sonido, que envuelve e involucra el cuerpo del receptor de manera incontrolable. Además, con esta práctica expandida, ya no sólo nos cabe hablar de música, sino que incluso se nos expone el término de sonido no coclear gracias a Kim-Cohen, entendiendo este tipo de arte no sólo con el límite de la escucha física sino también comprendido conceptualmente.